The Cure: Wie die Gothic-Pioniere bis heute Alternative-Rock prägen
17.06.2026 - 10:51:11 | ad-hoc-news.de
Wenn es um düstere Hymnen, flächige Gitarren und große Gefühle im Schatten der Nacht geht, führt kaum ein Weg an The Cure vorbei. Seit Jahrzehnten prägt die Band um Robert Smith den Sound von Gothic- und Alternative-Rock und inspiriert damit bis heute unzählige jüngere Acts.
Kaum eine andere Rockband verbindet so konsequent Melancholie und Pop-Appeal wie The Cure. Von frühen Post-Punk-Wurzeln bis zu weltweiten Radiohits reicht eine Karriere, die längst Referenzpunkt für Indie-, Goth- und Emo-Generationen geworden ist.
Mehr Hintergründe und Entwicklungen zu The Cure
Wer tiefer in Diskografie, Einflüsse und aktuelle Entwicklungen rund um The Cure eintauchen möchte, findet in unserem News-Archiv weitere Analysen und Einordnungen.
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Auch Jahrzehnte nach ihren ersten Veröffentlichungen taucht der Sound von The Cure in Playlists, Filmsoundtracks und Referenzen junger Indie-Acts auf. Gitarrensounds, Basslinien und die unverwechselbare Mischung aus Romantik und Schwermut haben sich tief in das kollektive Musikgedächtnis eingebrannt.
Besonders markant sind die weit ausladenden Gitarrenflächen, die oft in langen Instrumentalpassagen schwelgen, bevor Robert Smith mit seiner sofort erkennbaren Stimme einsetzt. Diese Kombination aus atmosphärischem Klangteppich und emotional aufgeladenem Gesang hat den Stil der Band zu einem Blaupause-Modell für Alternative-Rock gemacht.
Hinzu kommt der ikonische Look der Band, allen voran Smiths auftoupiertes Haar und der dramatische Eyeliner. Diese Bildsprache wurde weltweit von Gothic-Fans, Emo-Kids und Post-Punk-Revival-Bands aufgegriffen und immer wieder neu interpretiert, ohne je ihren Ursprung zu verleugnen.
Während viele Rock-Acts im Laufe der Jahre ihren Kurs wechselten, blieben The Cure ihrem Kern treu: emotionale Tiefe, dunkle Stimmungen und ein feines Gespür für eingängige Melodien. Genau diese Spannweite macht die Band gleichzeitig zugänglich und kultig.
Fans schätzen dabei nicht nur die großen Hits, sondern auch die langen, experimentelleren Stücke, in denen die Band ihre Vorliebe für Sounddesign, Reverb und hypnotische Wiederholungen auslebt. Diese Songs fungieren für viele Hörer als Soundtrack für nächtliche Fahrten, Kopfhörermomente und persönliche Umbrüche.
Die Präsenz von The Cure in Streaming-Diensten sorgt zudem dafür, dass jede neue Generation das Werk der Band leicht entdecken kann. Kuratierte Playlists, algorithmische Empfehlungen und Social-Media-Clips tragen dazu bei, dass Klassiker und tiefere Albumtracks nebeneinander neu entdeckt werden.
Parallel dazu taucht der Einfluss von The Cure auffällig häufig in Interviews jüngerer Bands auf. Ob Indie, Shoegaze, Emo oder Post-Punk-Revival: Immer wieder fallen Referenzen auf die melancholisch-melodische Art, mit der The Cure Gefühle zwischen Verlust, Hoffnung und Sehnsucht in Songs verwandeln.
Auch im Bereich der Filmmusik bilden Songs von The Cure bis heute emotionale Klammern für Coming-of-Age-Geschichten, düstere Liebesfilme oder nostalgische Rückblicke. Die Band steht längst als Synonym für eine spezifische Stimmung, die sich auf Anhieb wiedererkennen lässt.
Von der Clubnacht mit Gothic-Fokus bis zur Indie-Party am Wochenende: Kaum eine Nacht vergeht, in der nicht mindestens ein Song von The Cure die Tanzfläche füllt. Dabei reagieren ältere Fans mit Erinnerungslächeln, während Jüngere den Sound oft frisch und überraschend entdecken.
Hinzu kommt der anhaltende Trend zu 80er- und 90er-Referenzen in Mode, Serien und Games. Sobald Synthesizerflächen, Chorus-Gitarren und dunkle Balladen im Kontext dieser Retro-Welle auftauchen, ist The Cure als Bezugspunkt nie weit entfernt.
Von Post-Punk zu Gothic-Pop: Die stilistische Entwicklung von The Cure
The Cure starteten am Ende der 70er-Jahre im Umfeld von Post-Punk und New Wave. Die frühen Songs klangen karger, kantiger und direkter, mit klarer Punk-Kante und nur angedeuteter Melancholie, die erst nach und nach stärker in den Vordergrund rückte.
Mit jedem Album erweiterten The Cure ihre Klangpalette, experimentierten mit längeren Songstrukturen, dichten Gitarrenschichten und verstärktem Einsatz von Keyboards. Die Band entwickelte so einen Stil, der sich nur schwer in ein einziges Genre pressen lässt und gerade deshalb so einflussreich wurde.
Typisch für The Cure ist die Verbindung von oft tanzbaren Rhythmen mit schweren Themen. Selbst wenn der Bass eine treibende, beinahe poppige Linie spielt, tragen die Harmonien eine melancholische Note, die sich sofort bemerkbar macht und emotional nachhallt.
Diese Gleichzeitigkeit aus Leichtigkeit und Schwere ist einer der Gründe, warum die Band so viele unterschiedliche Szenen anspricht. Fans aus Gothic-, Indie- und Alternative-Rock-Kreisen finden gleichermaßen Anknüpfungspunkte im Werk der Briten.
Über die Jahre entstanden Alben, die unterschiedliche Facetten der Band betonen: mal dunkler und introspektiver, mal verspielter und zugänglicher. Gerade diese Bandbreite macht die Diskografie für heutige Hörer attraktiv, die je nach Stimmung zu unterschiedlichen Phasen greifen können.
Ein wichtiger Faktor ist auch die Produktion: The-Cure-Songs setzen häufig auf klare, deutlich voneinander abgesetzte Instrumentenspuren. Das lässt Gitarre, Bass und Gesang bewusst nebeneinander stehen und schafft den Eindruck von Weite, der viele Songs der Band prägt.
Dabei bleibt die Handschrift stets erkennbar. Selbst wenn einzelne Songs stärker in Richtung Pop tendieren, kehren The Cure immer wieder zu ihrer dunkleren Seite zurück und halten damit die Balance zwischen Mainstream-Kompatibilität und Kultstatus.
Viele jüngere Bands greifen genau auf dieses Rezept zurück. Sie kombinieren schimmernde Gitarren mit introspektiven Texten und nehmen The Cure als Vorbild für ein Songwriting, das Emotionen nicht glattbügelt, sondern bewusst roh und nahbar stehen lässt.
In der Musikberichterstattung wird The Cure häufig als Brücke zwischen Post-Punk und späteren Alternative-Wellen beschrieben. Wer die Entwicklung von Indie- und Gothic-Rock verstehen will, kommt deshalb kaum an der Band vorbei.
Auch Genre-Bezeichnungen wie Dream-Pop, Shoegaze oder Dark Wave werden in Rückblicken regelmäßig im Umfeld der Band genannt, weil bestimmte Elemente ihres Sounds in all diesen Strömungen wieder auftauchen.
Robert Smith als Ikone: Stimme, Erscheinung und Songwriting
Im Zentrum von The Cure steht Robert Smith, dessen Stimme zum Erkennungszeichen einer ganzen Szene wurde. Das leicht brüchige, manchmal klagende Timbre verkörpert Emotionen, ohne sich in Pathos zu verlieren, und wirkt dadurch bis heute authentisch.
Sein Songwriting ist geprägt von einem feinen Gespür für Erinnerungen, Verunsicherungen und Sehnsüchte. Viele Texte kreisen um das Ausloten von Beziehungen, um innere Monologe und um Momente, in denen das Leben kurz stillzustehen scheint.
Hinzu kommt die visuelle Komponente: Smiths Look beeinflusste nicht nur Gothic-Fans, sondern auch Teile der breiteren Popkultur. Die Mischung aus schwarzer Kleidung, verwischtem Make-up und markanter Frisur wurde schnell zu einem Bild, das man sofort mit The Cure verbindet.
In Musikdokus und Rückblicken taucht Smith regelmäßig als Symbolfigur für eine Generation auf, die Verletzlichkeit nicht verstecken wollte. Seine Bühnenpräsenz steht für eine Form von Zurückhaltung, die aber gerade dadurch sehr intensiv wirkt.
Viele Musiker nennen Robert Smith als Vorbild, wenn es um die Verbindung von persönlichem Songwriting und unverwechselbarer Bühnenfigur geht. Die Botschaft: Man muss nicht makellos, laut oder überdimensioniert auftreten, um Eindruck zu hinterlassen.
Dass Smith nie komplett ins glattpolierte Popfach gewechselt ist, trägt zur Glaubwürdigkeit von The Cure bei. Die Band blieb über Jahrzehnte hinweg eine Adresse für Hörer, die sich in herkömmlichen Radiowellen oft nicht wiederfinden.
Gleichzeitig gelang es The Cure immer wieder, große Refrains und mitsingbare Melodielinien zu schreiben. Dass diese Zeilen häufig einen melancholischen Unterton haben, macht ihren Reiz aus und schafft eine besondere Bindung zwischen Band und Fans.
Robust bleibt auch die Live-Reputation von Robert Smith: In langen Shows trägt seine Stimme die Atmosphäre von zarten Balladen bis zu ausufernden Gitarrenepen. Selbst kleinere stimmliche Brüche empfinden viele Fans als Teil der emotionalen Wahrheit dieser Konzerte.
In Interviews wird Smith oft als reflektierter, manchmal zurückhaltender Gesprächspartner beschrieben, der lieber über Musik, Einflüsse und Stimmungen spricht als über Privates. Diese klare Trennlinie kommt vielen Fans entgegen, die lieber das Werk als das Privatleben im Mittelpunkt sehen.
So steht Robert Smith längst weniger für die klassische Rockstarkarriere als für ein künstlerisches Langzeitprojekt, das mit jeder neuen Generation Hörer zusätzliche Bedeutungsschichten erhält.
Live-Erlebnis The Cure: Warum Konzerte als Rituale gelten
Wer über The Cure spricht, kommt an den Live-Shows der Band nicht vorbei. Konzerte dauern oft deutlich länger als bei vielen anderen Acts, die Setlists wirken wie sorgfältig kuratierte Reisen durch verschiedene Schaffensphasen.
Charakteristisch sind die fließenden Übergänge zwischen Stücken, in denen Gitarren und Keyboards ausklingen und neue Themen anklingen. Das verleiht den Auftritten eine beinahe filmische Dramaturgie, die Stammgäste ebenso mitreißt wie Neulinge.
Für viele Fans haben Konzerte von The Cure etwas Rituelles. Die Mischung aus Lieblingssongs, tiefen Albumtracks und überraschenden Setlist-Entscheidungen schafft Momente, die lange nachhallen und in persönlichen Konzertgeschichten weiterleben.
Besonders eindrücklich ist die Lichtregie, die mit Nebel, Farbwechseln und teilweise minimalistischem Einsatz arbeitet. Statt großer Effekthascherei steht die Atmosphäre im Vordergrund, die sich nahtlos mit dem Klangbild der Band verbindet.
Auch die Dynamik innerhalb einer Show spielt eine zentrale Rolle: Auf intensivere, schnellere Nummern folgen immer wieder ruhige, introspektive Passagen. Diese Auf- und Abbewegung sorgt dafür, dass die Aufmerksamkeit bis zum letzten Song hoch bleibt.
Hinzu kommt, dass The Cure ihre Live-Auftritte in der Regel nicht als reine Best-of-Shows anlegen. Vielmehr werden Stücke aus unterschiedlichen Jahrzehnten so angeordnet, dass sie inhaltliche und stimmungsmäßige Brücken schlagen.
In Fanforen und sozialen Netzwerken kursieren ausführliche Setlist-Diskussionen, in denen über die Bedeutung einzelner Songs, die Position im Ablauf und mögliche Hinweise auf zukünftige Veröffentlichungen spekuliert wird. Das zeigt, wie intensiv sich die Community mit dem Live-Output der Band beschäftigt.
Für viele jüngere Fans stellt ein Konzert von The Cure den Moment dar, in dem die Musik der Eltern oder älteren Geschwister zu etwas Eigenem wird. Die gemeinsame Erfahrung vor der Bühne verbindet Generationen, die sich sonst vielleicht musikalisch kaum begegnen würden.
Die besondere Ausdauer der Band auf der Bühne prägt zudem das Bild von The Cure als verlässlichem Live-Act. Auch nach vielen Jahren im Geschäft bleibt der Eindruck, dass hier nicht routiniert ein Pflichtprogramm abgespult wird, sondern jedes Konzert als eigenständiger Abend gedacht ist.
Diese Haltung trägt dazu bei, dass The Cure bei Festivalveranstaltern und Fans gleichermaßen hoch im Kurs stehen, sobald es um intensive, atmosphärisch dichte Live-Momente geht.
Einfluss auf neue Szenen: Von Indie über Emo bis Post-Punk-Revival
Wer die Playlists aktueller Indie-Acts durchhört, stößt immer wieder auf Spuren von The Cure. Mal sind es schimmernde Gitarren mit viel Chorus, mal ein Basslauf, der an klassische Stücke erinnert, mal die Art, wie eine Melodie über Mollakkorde gleitet.
Viele Bands der Emo- und Alternative-Szene berufen sich explizit auf die melancholische Energie von The Cure. Sie übernehmen die Idee, dass Pop-Hooks und emotionale Schwere keine Gegensätze sein müssen, sondern sich gegenseitig verstärken können.
In der internationalen Musikpresse tauchen regelmäßig Listen auf, in denen junge Post-Punk-Revival-Bands vorgestellt werden. Immer wieder fällt dabei der Hinweis, dass diese Acts ohne den Einfluss von The Cure kaum so klingen würden, wie sie klingen.
Auch im Bereich Indie-Pop werden Strukturideen der Band aufgegriffen. Dazu gehören etwa lange Intros, in denen das Arrangement langsam wächst, bevor der Gesang einsetzt, oder Refrains, die weniger auf simple Wiederholung als auf eine stetige Steigerung setzen.
Bei näherer Betrachtung zeigt sich, dass The Cure nicht nur musikalische, sondern auch ästhetische und thematische Spuren hinterlassen haben. Die Bereitschaft, Unsicherheiten, Ängste und fragile Gefühle offen anzusprechen, findet sich in vielen aktuellen Texten wieder.
Darüber hinaus dient die Band jungen Künstlern als Beispiel für eine Karriere, die sich langfristig entfalten durfte. Statt mit jedem Album radikal den Zeitgeist zu jagen, verfolgten The Cure ihren eigenen Kurs und fanden damit dennoch stetig neue Hörer.
In Interviews verweisen Musikschaffende auf die Art, wie die Band Studioarbeit und Live-Klang verzahnt. Viele versuchen, diese Balance nachzuahmen, indem sie ihre Songs so arrangieren, dass sie sowohl auf Kopfhörern als auch auf der Bühne funktionieren.
In Social-Media-Formaten rund um Musikgeschichte werden The Cure häufig als Bindeglied zwischen mehreren Epochen dargestellt: Sie stehen am Punkt, an dem Post-Punk die Tür zum Pop weit aufstößt, ohne seine Ecken und Kanten ganz abzulegen.
Durch diese Vielschichtigkeit eignet sich das Werk der Band hervorragend für Neuinterpretationen. Coverversionen tauchen in verschiedenen Genres auf, von sanftem Indie-Folk bis zu elektronischen Club-Edits, die einzelne Motive in andere Kontexte übertragen.
Diese fortwährende Auseinandersetzung mit dem Material hält die Musik von The Cure lebendig und sorgt dafür, dass ihre Songs weit über die ursprüngliche Zielgruppe hinaus wirken.
Alben zum Einstieg: Wie sich The Cure entdecken lassen
Wer The Cure neu für sich entdecken möchte, steht vor einer umfangreichen Diskografie, die mehrere stilistische Phasen umfasst. Ein gezielter Einstieg hilft, die Band Schritt für Schritt kennenzulernen und die Spannweite ihres Schaffens zu verstehen.
Viele Hörer beginnen mit den besonders eingängigen, häufig gespielten Songs, die auf Best-of-Zusammenstellungen auftauchen. Sie zeigen die Band von ihrer zugänglichsten Seite und dienen als Sprungbrett zu den komplexeren, düsteren Werken.
Im nächsten Schritt lohnt sich der Blick auf jene Alben, die in Rückblicken immer wieder hervorgehoben werden. Diese Werke gelten oft als Schlüssel, um zu verstehen, wie sich der Sound der Band entwickelt hat und welche Experimente langfristig prägend wurden.
Spannend ist es, die Alben nicht nur isoliert, sondern im Kontext ihrer Entstehungszeit zu hören. So werden Einflüsse von Punk, New Wave oder den aufkommenden elektronischen Strömungen hörbar und lassen Rückschlüsse auf die damalige Szene zu.
Gleichzeitig funktionieren viele Werke von The Cure erstaunlich zeitlos. Die Themen rund um Verlust, Hoffnung, Nähe und Entfremdung wirken auch Jahrzehnte nach Veröffentlichung unmittelbar und anschlussfähig.
Wer tiefer eintauchen möchte, entdeckt in weniger bekannten Stücken und B-Seiten eine experimentierfreudige Band, die mit Songlängen, Klangfarben und Strukturen spielt. Diese Tracks zeigen, wie groß der kreative Radius von The Cure tatsächlich ist.
Neben der reinen Musik lohnt sich ein Blick auf Artwork, Fotos und alte Tourposter. Sie erzählen die visuelle Geschichte der Band, verorten sie in der Ästhetik ihrer Zeit und machen deutlich, wie bewusst The Cure mit Bildern gearbeitet haben.
Zusätzlich bieten Interviews mit Bandmitgliedern und Weggefährten wertvolle Einblicke in Produktionsprozesse, persönliche Lieblingssongs und die Atmosphäre im Studio. Sie eröffnen eine weitere Perspektive auf Alben, die Fans seit Jahren begleiten.
Viele Hörer kombinieren dabei unterschiedliche Hörwege: mal ein ganzes Album am Stück, mal kuratierte Playlists, mal gezielte Recherchen nach Live-Versionen einzelner Songs. The Cure geben für all diese Wege genug Material an die Hand.
So entsteht im Lauf der Zeit ein persönlicher Zugang zu einer Band, deren Diskografie nicht nur aus Klassikern, sondern auch aus vielen versteckten Perlen besteht.
Wie The Cure in Popkultur und Medien präsent bleiben
Auch ohne permanente Promotion-Kampagnen bleiben The Cure in der Popkultur sichtbar. Filme, Serien und Games greifen ihren Sound oder ihre Ästhetik auf und legen so neue Spuren, denen junge Zuschauer in Streaming-Diensten folgen.
In Social Media kursieren Clips, Memes und Reels, die Songs der Band mit Alltagsmomenten, nostalgischen Rückblicken oder kreativen Fanprojekten kombinieren. Dadurch stoßen auch Nutzer auf The Cure, die zuvor kaum Berührung mit Gothic- oder Alternative-Rock hatten.
Musikjournalistische Rückblicke, Podcast-Reihen und YouTube-Essays widmen der Band immer wieder lange Episoden. Dort wird analysiert, warum bestimmte Songs so nachhaltig funktionieren und welche Rolle The Cure im größeren Pop-Gefüge spielen.
Hinzu kommen Tribute-Abende in Clubs und Bars, bei denen DJs den Fokus auf die Band und verwandte Künstler legen. Solche Veranstaltungen machen deutlich, dass das Repertoire von The Cure tanzbar und emotional zugleich ist.
Auch in Fan-Communities, die sich ursprünglich um andere Genres gebildet haben, tauchen Verweise auf The Cure auf. Ob Metal, Indiepop oder elektronische Musik: Die Bereitschaft, melancholische Stimmungsschwankungen zuzulassen, verbindet viele Szenen untereinander.
Durch die mediale Präsenz im Rückblicks- und Inspirationskontext verschiebt sich die Wahrnehmung von The Cure zunehmend weg von einer reinen 80er-Band hin zu einem dauerhaften Referenzpunkt für emotionale Rockmusik.
Gleichzeitig ist die Band ein willkommenes Beispiel dafür, wie sich künstlerische Integrität mit einer gewissen Pop-Nähe vereinbaren lässt. Diese Kombination macht sie für Diskussionen über Authentizität, Kommerz und Langlebigkeit interessant.
Dass The Cure in Musikschulen, Gitarrenunterricht und Songwriting-Workshops als Beispiel dienen, verstärkt diese Wirkung zusätzlich. Hier werden Riffs, Harmonieschemata und Aufbauprinzipien auseinander genommen und neu zusammengesetzt.
Auf diese Weise findet das Werk der Band immer wieder neue Wege in Ohren, Köpfe und Playlists – weit über die klassische Zielgruppe hinaus.
So werden The Cure zu einem dauerhaften Bestandteil der musikalischen Grundausbildung einer Generation, die ihre Songs teilweise Jahrzehnte nach ihrer Veröffentlichung zum ersten Mal hört.
Faktencheck: Warum The Cure als Schlüsselfigur für Alternative-Rock gelten
Bereits die frühen Jahre von The Cure zeigen, wie konsequent die Band ihren eigenen Pfad zwischen Post-Punk, New Wave und später Gothic-Rock suchte. Das Ergebnis ist ein Sound, der sich über Moden hinweg behauptete und neue Trends mitprägte.
Die Kombination aus eigenwilliger Bildsprache, charakteristischer Stimme und klar umrissener Klangidentität macht The Cure zu einem Fallbeispiel, wenn es um langfristig konsistente Marken in der Musik geht.
Für den Alternative-Rock ist die Band ein frühes Beispiel dafür, wie man jenseits klassischer Rockposen eine große, internationale Fanbasis aufbauen kann. Statt auf Machogesten setzt The Cure auf Verletzlichkeit, Nachdenklichkeit und emotionale Offenheit.
In der Rückschau werden sie häufig in einem Atemzug mit anderen prägenden Acts ihrer Zeit genannt. Während manche Kollegen stärker im Mainstream verankert sind, besetzen The Cure die Schnittstelle zwischen Kultband und Stadionact.
Genau diese Position macht die Briten für heutige Acts attraktiv, die nach Orientierung suchen. Sie zeigen, dass man künstlerisch eigen bleiben und trotzdem weite Kreise ziehen kann, wenn man seinem Stil treu bleibt.
Der Blick auf Fankultur, Remixes und Coverversionen zeigt zudem, wie flexibel sich das Material der Band an neue Kontexte anpassen lässt, ohne seinen Kern zu verlieren. Ein Zeichen dafür, dass die Songs selbst eine starke innere Konstruktion haben.
Auch Jahrzehnte nach den ersten Veröffentlichungen ist deshalb klar: Wer über Alternative-Rock, Gothic-Ästhetik und emotionalen Gitarrenpop spricht, kommt an The Cure nicht vorbei.
Ihre Rolle reicht von stilbildender Frühphase über massentaugliche Hits bis zu einer Spätphase, in der das eigene Erbe bewusst reflektiert und zugleich lebendig gehalten wird.
Für Fans, Musiker und Branchenbeobachter bleibt damit spannend, wie kommende Generationen die Musik der Band weiter interpretieren und in neue Formen überführen werden.
Fest steht: The Cure besitzen längst den Status eines Referenzarchivs, auf das sich Popkultur immer wieder neu beziehen kann.
The Cure im Überblick
- Act: The Cure
- Genre: Gothic-Rock, Post-Punk, Alternative-Rock
- Herkunft: Vereinigtes Königreich
- Aktiv seit: Ende der 1970er-Jahre
- Schlüsselwerke: Prägende Studioalben und markante Hit-Singles, die bis heute fester Bestandteil von Rock- und Indie-Playlists sind
- Label: Veröffentlichungen im Laufe der Karriere über mehrere international agierende Labels
- Charts / Zertifizierungen: Mehrere Alben und Singles mit Platzierungen in internationalen Hitparaden und Auszeichnungen für hohe Verkaufszahlen
FAQ: Die wichtigsten Fragen zu The Cure
Wer sind The Cure und wofür stehen sie musikalisch?
The Cure sind eine britische Band, die seit Ende der 1970er-Jahre aktiv ist und vor allem für ihren Mix aus Gothic-Rock, Post-Punk und Alternative-Pop bekannt wurde. Typisch sind düstere, atmosphärische Songs mit markanten Gitarren und der unverwechselbaren Stimme von Robert Smith.
Warum gelten The Cure als so einflussreich?
Die Band prägte gleich mehrere Szenen, von Gothic über Indie bis Emo, und zeigte früh, wie sich melancholische Themen mit eingängigen Melodien verbinden lassen. Viele nachfolgende Acts berufen sich auf ihren Sound, ihre Ästhetik und ihre Art, persönliche Themen in große Songs zu gießen.
Wie kann man The Cure am besten entdecken?
Ein guter Einstieg gelingt über bekannte Hits und zentrale Alben, die in Rückblicken häufig genannt werden. Von dort aus lohnt sich der Weg zu den längeren, experimentelleren Stücken und Live-Versionen, die die Band von ihrer besonders intensiven Seite zeigen.
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